P.S. : We Are All Here @ Toronto

P.S. : We Are All Here

intro

The Toronto Dance community Love-in presented over the last two weeks their annual series of shows P.S.: We Are All Here. Read the article about the lovers HERE.

10 propositions of varied interest, 10 propositions at different stage in their development. We got to see the very first steps of  concepts yet to be developed as well as we had the chance to see a show that has been on tour for a few months, and a bit of everything between these two extremes. I will review here what I preferred, a very personal best-of for sure, but considering the reactions of the well-informed public, these might also be everyone’s favourite.

 

Le Toronto Dance Community Love-in présentait au cours des deux dernières semaines leur série annuelle de spectacles P.S. : We Are All Here. Lisez l’article à propos des lovers ICI.

10 propositions de niveaux très variés. 10 propositions à différents stades de préparation. On a pu voir sur scène la toute première incarnation de concepts tout comme on a eu la chance d’assister à la présentation d’une chorégraphie qui est en tournée depuis quelques mois. Et aussi un peu de tout ce qu’il y a entre ces deux extrêmes. Je fais ici un compte rendu de ce que j’ai le plus apprécié. Une sélection personnelle certes, mais qui me semble en général assez en accord avec la réaction du public averti qui assistait à l’événement.

 

 

Kiani Del Valle : CATACOUSTIC FLESH

concept, choreography and performance / concept chorégraphie et performance : Kiani Del Valle | music production  / production musicale : Leo Luchini & Driftnote | costumes : BOUYEZ

Kiani Del Valle :   web    Facebook   Instagram

Driftnote :   web    Instagram

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Kinia Del Valle, CATACOUSTIC FLESH

 

Originally from Puerto Rico, Kiani Del Valle lives and works in Berlin. Creative Independent and Northside Festival, both from New York City, commissioned CATACOUSTIC FLESH and this was the second presentation of the work. We witness the birth, the life and the death of a humanoid that first look as a writhing insect on the floor, some kind of a full of life scarab at rest. Eventually the human uneasily gets out of this shell. As the dancer arise and still wear the plastron, she moves like a disjointed puppet, as a kid who does not know yet how to move on two feet. Of course, when she gets rid of this straightjacket her movements unfold, her arms grind the air and the virtuosity of the artist dazzles us. Turbo dynamic, the dancer consumes and produces a lot of energy within a liberating, ecstatic dance. Which also end up being a dance of the falling(s).

The music has a lot of importance in this choreography; it is partly composed by Leo Luchini and partly improvised during the performance. Driftnote, multimedia artist from Toronto, only had two little rehearsals in order to prepare and succeed in this symbiotic performance. He remixes and transforms on the spot the electronic music already written. At a certain point, in a beautiful part of the choreography, Kiani Del Valle and Driftnote create together the music with microphones placed on the floor. Music made of frictions, claps and screeches of different part of her body in contact with the floor, sounds the musician transforms, amplifies, echoes, etc. The obvious complicity between the two artists is not only visible but also audible. Breathing in synchronicity, they build one sound at a time a show that left the public speechless and hungry for more.

 

Originaire de Porto Rico, Kiani Del Valle vit et travaille à Berlin. Commandé par le Creative Independant et le Northside Festival de New York, CATACOUSTIC FLESH en était à sa deuxième présentation. On assiste ici à la naissance, vie et mort d’un humanoïde qui prend d’abord la forme d’un insecte trépignant au sol, une espèce de scarabée immobile qui déborde de vie. Éventuellement, l’humain sortira non sans difficultés de cette coquille. Alors que la danseuse se met debout et qu’elle toujours porte le plastron, le ventre de la carapace de l’insecte, elle bouge comme un pantin désarticulé. Comme un enfant qui ne sait pas encore bouger. Bien entendu, la danseuse fini par se débarrasser de ce carcan et les mouvements se déploient, les bras moulinent l’espace, toute la virtuosité de l’artiste nous éblouie. Turbo-dynamique, la danseuse consomme et produit beaucoup d’énergie dans une danse de libération, d’extase et de chute(s).

La musique s’avère très importante dans cette chorégraphie elle est en partie composée par Leo Luchini et en partie improvisée sur scène. Driftnote, artiste multimédia de Toronto n’a bénéficié que de deux petites répétitions pour préparer et en arriver à cette performance symbiotique. Il remixe, transforme sur place la partie déjà écrite de cette musique électronique. Vient ensuite une très belle partie où, à l’aide de micros placés au sol, Kiani Del Valle et Driftnote créent ensemble une musique qui se nourrit de sons créés par les frictions, les frappements, les crissements des différentes partie du corps sur le sol, que le musicien transforme, amplifie, fait des effets d’échos, etc. La grande complicité des deux artistes non seulement se voit mais s’entend. Dans un même souffle, ils bâtissent, un son à la fois, un spectacle qui laisse les spectateurs pantois et affamé. On en veut plus.

 

 

Liz Kinoshita : You Can’t Take It With You

concept, direction : Liz Kinoshita | creation, performance : Bryana Fritz, Justin F. Kennedy, Clinton Stringer, Liz Kinoshita | lighting design / concept éclairage : Tim Wouters |technique : Elke Verachtert | artistic advice / conseillère artistique : Chrysa Parkinson | executive production / producteur exécutif : Caravan Production

Caravan production :   web   Facebook   Instagram 

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Originally from Toronto, Liz Kinoshita lives and works in Brussels. You Can’t Take It With You has been presented many times in Europe already, so we got to see a well-oiled show. This was probably the most surprising proposition of the entire series of shows. The venue was totally transformed. Chairs were all over the stage, the audience sitting in clusters facing each other or facing a wall or the wings. During the show, everyone, dancers and public, participate to the rearrangement of the space, putting chairs in rows. When arriving, the dancers were already on stage asking us to throw something on the floor, something we have in our pockets or our bag that we don’t want to “have in our life anymore”. A quite chaotic set that will maybe not help that much the show.

It is a start. They sing a cappella and they dance. A quartet, as a vocal quartet: two girls, two boys. At first I really believed I was listening to professional singers as they are always on pitch, right on rhythm, as everything is well performed. But, who else but a dancer could move, run, jump, lift each other, hike the décor non-stop for an hour or so without waving. They sing about life, about appearances and all sorts of things. In a grandioso finale, the dancers carry one of them, stiff and horizontal as a plank, over the heads of spectators. Better: they help each other to execute leapfrog over our heads. The final punch happens when a dancer fall in the emptiness, concluding in an abrupt and scary way the show. Undoubtedly, these dancers are willing to take some risks.

On the set half inflated balloons were suspended, a small hill hidden with an extension of the dance carpet, the floor is littered with old pieces of paper the members of the audience got rid of, chairs are everywhere, so there is a lot of trashiness here. It may recalls performances by Anna Teresa de Keersmaeker amongst others, but without the expressionistic drama and with the characters hungry for power over everything plus screams plus danger. An aesthetic that might seem off-putting at the beginning because it implies maybe a little too much the spectators; but once into it, the experience is liberating and worth largely the journey. The viewers get out of this show with the clear feeling that not only something has been seen but also something important has been lived.

How privileged we were to see and hear this quartet on fire. They have created together the lyrics, the music and the choreography of this wild and actual musical theater. This show requests to its performers to be brilliant, multidisciplinary champions and it sure needed a lot of courage.

 

Originaire de Toronto, Liz Kinoshita vit et travaille à Bruxelles. You Can’t Take It With You a été présenté plusieurs fois en Europe, c’est donc un spectacle bien rodé auquel nous avons eu droit. Voici probablement la proposition la plus surprenante de toute la série de spectacles.

La configuration de la salle a été complètement bousculée. Les chaises sont partout sur scène, les spectateur.es assis en petit îlots, font face les uns aux autres, au mur ou encore à la coulisse. Au cours du spectacle, tous (danseur.es et spectateur.es) participeront à la deuxième reconfiguration de la salle, avec rangées de chaises cette fois-ci. À notre arrivée, les interprètes sont parmi le public et nous demandent de jeter au sol quelque chose dont on ne veut plus qui trainerait dans nos poches de pantalons, notre sac… Tout un chaos qui ne servira peut-être pas vraiment le propos.

Et voilà que ça part. Ils/elles chantent a cappella, elles/ils dansent. Un quatuor, comme un quatuor vocal, deux filles deux gars, époustouflant.es de justesse. On a vraiment l’impression d’entendre ici des chanteur.es professionnels. Mais ce sont des danseur.es. Et en fait, lorsqu’on y repense, qui d’autre pourrait bouger, courir, sauter, faire des portés et grimper sur le décor sans relâche pendant environ une heure sans flancher. Ça parle de la vie, des apparences, des toutes sortes de choses. Dans une finale grandiose, les danseur.es transportent une de leur pairs, qui placée à l’horizontale comme une planche de bois, passe au-dessus de la tête des spectateurs. Mieux ; ils s’entraident à escalader pour faire un genre de saute-mouton au-dessus de nos têtes. Le punch final où une danseuse tombe dans le vide, conclue de façon abrupte et presque inquiétante le spectacle. Décidément, ces danseurs n’ont peur de rien.

Un décor de ballons à moitié gonflés, une petite montagne cachée par une extension du plancher de danse, le sol est jonchés de vieux bouts de papiers dont les spectateurs se sont départis, les chaises placées n’importe où, il y a ici un aspect trash qui évoque les performances d’Anna Teresa de Keersmaeker entre autres. Sans le drame expressionniste mais avec ces personnages en quête de domination les uns sur les autres, les cris et le danger. Une esthétique qui peut paraître rébarbative au départ entre autre parce qu’elle implique un peu trop le spectateur, mais qui s’avère libératrice pour ceux qui embarquent à fond de train dans la proposition. Le spectateur sort de là avec la nette impression d’avoir non seulement vu mais d’avoir vécu un grand événement.

Quelle chance d’avoir pu voir et entendre ce quartet de feu. Ils ont créé ensemble paroles, musique et mouvements de ce théâtre musical éclaté et contemporain. Un spectacle qui exige de ses interprètes d’être génial en tout, virtuoses dans leur multidisciplinarité et qui demande aussi beaucoup de courage.

 

 

Kate Nankervis & Ann Trépanier : spectrum

concept, choreography and performance / concept chorégraphie et performance : Kate Nankervis & Ann Trépanier | music / musique : Ryoji Ikeda, +

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Kate Nankervis & Ann Trépanier, spectrum photo : Francesca Chudnoff

Two human shapes, dressed with iridescent fabrics, are embed, trying unsuccessfully to detach from each other. As two magnets, they seem inseparable. Suddenly, a change in the magnetic energy repels the magnets from each other. Suddenly they can get close but cannot touch, impossible to hook together again. They move frenetically, dizzy themselves, get into a trance. In a last part of the choreography, the two shapes find themselves back, curl up again, reunite.

Kate Nankervis and Ann Trépanier have conceived a structured piece, some refinement work will have to be done, but the public could have a good idea of what is coming up. This work-in-progress is promising for a near future.

 

Deux formes humaines, vêtues de tissus iridescents, s’emboîtent et tentent en vain de se défaire l’une de l’autre. Telles deux aimants elles sont inséparables. Soudainement, une changement dans les énergies magnétiques repoussent les deux aimants l’une de l’autre. Soudainement elles peuvent s’approcher sans jamais se toucher, sans jamais se s’agripper à nouveau. Elles bougent de façon frénétique, sautent, se frappent presque, risquent de tomber. Elles bougent à en perdre la tête, s’étourdissent, entrent en transe. Dans une dernière section de la chorégraphie, les deux formes se lovent à nouveau, se retrouvent, se ressoudent.

Kate Nankervis et Ann Trépanier ont conçu une chorégraphie structurée, un travail qui reste à raffiner certes, mais qui donne une bonne impression de ce qui viendra. Ce work-in-progress promet pour un futur très proche.

Alvin Collantes : Alefbet

concept, choreography and performance / concept chorégraphie et performance : Alvin Collantes | music / musique : Eluvium & Black Coffee

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Alvin Collantes, Alefbet photo : Francesca Chudnoff

 

Alvin Collantes :  web  Facebook  Instagram  soundcloud  

As the lights went on, everyone realized that a great artist was on stage. Alvin Collantes spent the last year in Israel, enhancing his gaga movement language with Ohad Naharin. Based in and originally from Toronto, it is pretty clear that Alvin Collantes will soon tour the world. His magnetism and his charisma have the same effect on the audience as pop singers do. It might be a good idea to work as a soloist. After his performance, we clearly could feel the entire crowd had fallen for this beautiful artist.

The choreography, very “gagaesque”, is based on his personal study of intimacy and integration of the gaga technique in his life. During the performance, Alvin Collantes will break the fourth wall a few times, touching softly the hand of a spectator, looking right in the eyes, feeding himself on their heart. As a dancer he is very faun like, almost bestial. As a choreographer he may have not yet found his personal language. But he is such a talented and intense performer, he convinces and baffles the public: amazed and bowing to such talent. Every single movement seems choreographed, studied and worked on. Which is quite pleasant to see while so many dancers and choreographers rely on the soft and the loose. Perfectionist, he moves and breathes in sync with the music. After some quick research, I understand he also is a DJ and a photographer, so a multimedia artist. Alvin Collantes is a name to be remembered, an artist to be discovered.

 

Dès que les lumières se sont allumées, tous avons réalisé que nous avions affaire à un grand artiste. Alvin Collantes a passé la dernière année en Israël à travailler sur son mouvement gaga auprès Ohad Naharin. Basé et originaire de Toronto, il y a fort à parier qu’Alvin Collentes parcourra les scènes du monde, son magnétisme et son charisme sont à l’égal de grandes vedettes de la chanson pop. Heureuse idée donc de travailler en solo. Après sa prestation, on sentait clairement que tout le public venait tout juste de tomber pour le bel artiste qu’il est.

La chorégraphie, toute « gagaesque », est basée sur une recherche personnelle sur l’intimité et sur l’intégration du mouvement gaga en lui. Alvin Collantes brisera à quelques reprises le quatrième mur et touchera, prendra doucement la main de quelques spectateurs, les regardant droit dans les yeux, se nourrissant de leur cœur. Danseurs au mouvement faunesque, presque bestial, le chorégraphe n’a certes pas encore trouvé un style qui lui soit propre et unique. Mais il est un tel interprète, qu’il convainc et confond le public qui, médusé ne peut que s’incliner devant un tel talent. Chaque mouvement semble chorégraphié, étudié et travaillé. Ce qui fait plaisir à voir alors que trop de danseurs et chorégraphes misent sur le mou et le vague. Perfectionniste, il bouge et il respire en véritable symbiose avec la musique. En cherchant un peu, on comprend qu’il est aussi photographe, DJ, artiste multimédias donc, Alvin Collantes est un nom à retenir, un artiste qu’il faut s’empresser de voir et de découvrir.

 

 

 

Sahara Morimoto : Nothing III

choreography / chorégraphie : Noa Zuk & Ohad Fishof | performance : Sahara Morimoto | music / musique : Ohad Fishof

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Sahara Morimoto, Nothing III photo : Francesca Chudnoff

P.S.: We Are All Here ended with an exceptionally humoristic number. Sahara Morimoto, born in Japan, lives and works in Toronto. Nothing III is the first work she commissioned, shown for the first time in 2015. Sahara Morimoto went to Israel to work with the specialists of gaga, Noa Zuk and Ohad Fishof who created that piece from sounds that we usually hear in cartoons soundtracks.

Sort of ping pong game between the ears and the eyes, Nothing III ask to the dancer to move as a mime who had too much coffee. Each and every sound becomes a movement. Fascinating and funny, the audience wait for the next gesture, the next punch, captivated and not able to wink, making sure nothing is missed. Both the choreography and the performance were mesmerizing. The artist gives it as if it were innate, fluid (nevertheless the saccadic movements) with a disarming ease. Even her eyes move in sync with the rhythm, it seems the sight also was choreographed. Brilliant performer, she holds here a piece at the heights of her virtuosity. Simple and efficient, the costume is also quite comic. Yellow plastic gloves to wash dishes replace of the white gloves of the mime, the red panties recall the super-heroin. In this little bravura piece, everything is there to raise a smile and amaze the audience.

 

 

La série de spectacles de P.S. : We Are All Here se clôturait avec, pour une rare fois, une chorégraphie très comique. Sahara Morimoto, d’origine japonaise, vit et travaille à Toronto, Nothing III est sa première commande d’œuvre, montée pour la première fois en 2015. Sahara Morimoto a travaillé en Israël avec deux grands manitous du gaga, Noa Zuk et Ohad Fishof qui ont créé cette chorégraphie à partir de sons qui font la trame sonore de bandes dessinées.

Ping-pong visuel et sonore, Nothing III fait bouger la danseuse comme un mime qui aurait pris un peu trop de café. Chaque son est reproduit par un mouvement. Fasciné et amusé, le public attend le prochain geste, le prochain punch, suspendus, ne clignant pas des yeux de peur d’en manquer une. Tous et toutes ont été hypnotisé.es par cet exploit à la fois chorégraphique et performatif. L’artiste rend le tout avec un naturel dans le mouvement, une fluidité (malgré les mouvements saccadés) une aisance désarmante. Même ses yeux bougent en rythme, il semble que le regard ait été chorégraphié. Véritable bête de scène, elle tient ici un matériel à la hauteur de sa virtuosité. Simple et efficace, le costume fait rigoler également. Les gants jaunes de plastique pour laver la vaisselle remplacent les gants blancs du mime, la culotte rouge de super-héroïne évoque le monde de dessins animés, enfin tout dans ce petit morceau de bravoure est réuni pour faire sourire et éblouir.

 

about the author:

Normand Babin is a professional pianist, working and living in Toronto since 2014, he also writes about arts for many years. In Montréal he was writing for his blog montréalistement, la Scena Musicale, La Recrue du Mois and others, he launched neomemoire in April 2018 where he is chief editor and author. 

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à propos de l’auteur:

Normand Babin est un pianiste professionnel, il vit et travaille à Toronto depuis 2014 et il écrit sur les arts depuis plusieurs années. À Montréal il écrivait pour son blog montrealistement, la Scena Musicale, La recrue du mois et autres, il a lancé en avril 2018 neomemoire où il agit à titre d’éditeur et d’auteur. 

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