Toronto hop 3

Sanaz Mazinani: Light Times

Stephen Bulger Gallery, 1356 Dundas Street West, Toronto 01.12.10 – 02.23.19

The idea Sanaz Mazinani had to create a whole corpus of photographs without using a camera is attractive and captivating. Going back to the roots of what photography is, the artist simply uses light sensitive paper in a, we guess not totally, dark room. Only abstract art works can come out of this process of course. Rays of light, colors vibrating according to the lapse of time of exposition, stripes more or less regular, the primary material of this exhibition already is interesting by itself. But Sanaz Mazinani brings this much further. Supported by a crew of creators, she imagined an environment for the whole show. Mani Mazinani produced a recording, played here on vinyl LP, of minimalistic ambient music. The perfumer Ayala Moyel on his side created a fragrance diffused into the gallery. So entering the Stephen Bulger Gallery, the visitor is brought into a whole different world, accepting de facto to be cocooned.

Many works have their own environment as well. The wall might create a background, reproducing the poetry of the photographic drawing. A print on silk seems to be the photography of a print on silk, the dog chasing its tail. Photographs have been printed on all kind of surfaces, becoming sculptures, holograms, etc. Finally a sculpture made of mirrors represent the absence of photography, of image, even tough the mirrored surface is filled with light, it can be seen as another way of presenting, diffusing the other photographs. This was a poignant exhibition where the seeming simplicity of means translates itself into a poetic universe, where meaning is taken from the impressions the visitor feels more then out of the work itself.

Sanaz Mazinani, Meshes, 2018, print on silk Habotai / impression sur soie Habotai

La proposition de Sanaz Mazinani de faire tout un corpus de photographies sans appareil photo est séduisante, voire envoutante. Retournant aux bases mêmes de la techniques d’impressions photographiques, l’artiste utilise tout simplement du papier photo sensible à la lumière dans la chambre qu’on devine pas complètement noire. Il en ressort des œuvres abstraites va sans dire. Des rais de lumières, des couleurs vibrantes en fonction du temps d’exposition, des rayures plus ou moins régulières, la matière première de cette exposition est déjà intéressante en soi. Mais Sanaz Mazinani va beaucoup plus loin. Entourée de toute une équipe de créateurs, elle imagine un environnement englobant pour l’exposition. Mani Mazinani a produit un enregistrement, reproduit ici sur un vinyle, musique minimaliste ambiante. Le parfumeur Ayala Moyel a de son côté créé une fragrance diffusée dans la salle. En entrant dans la galerie Stephen Bulger, le visiteur est donc happé dans un univers qui n’est pas le sien, acceptant de facto de se laisser envelopper.

Plusieurs œuvres ont droit à leur propre univers. Les murs sont parfois investis, créant un fond, reprenant la poésie du « dessin » photographique. Un impression sur soie semble être celle d’une photographie d’une impression sur soie, le serpent se mordant la queue. Les œuvres ont été imprimées, reproduite sur toute une série de différentes surfaces, devenant sculpture, hologramme, etc. Enfin, une sculpture toute de miroir, représente à la fois l’absence de la photographie, même si la surface s’imprègne de la lumière, mais elle représente aussi un moyen de diffuser les autres œuvres, une autre façon de présenter les photographies. Touchante exposition, où cette apparente simplicité des moyens se transforme en univers poétique, où le sens est donné par l’impression de ce que le visiteur ressent plutôt que par l’œuvre elle-même.

Sanaz Mazinani, installation view

Ray Mead: One from the Vault

Christopher Cutts Gallery, 21 Morrow avenue, Toronto  02.16.19 – 03.23.19

In 1953, eleven painters created a collective, Painters11, and a few commotions by the presentation of an exhibition showing exclusively expressionist abstract paintings. The abstraction was in fact the only thing in common to gather this group of artists from different generations and different practices. Today, the two women and nine men artists are all dead, but their work had a certain impact on art history in Canada, and their works are still in high demand. So when a gallery owner as Christopher Cutts brings out of his vaults many paintings of one of them, it becomes quite an event. Ray Mead is with Jack Bush, one of the most celebrated figures in this group. Here, two periods in his production are shown. The 70s was the era when Mead did geometrical abstraction, hardedge, pure shapes, pure lines, crisp colors. The 80s were more into expressionism, explosive, at the edge between abstraction and figuration. One can see there some fruits, here a carriage…

The vast majority of the paintings shown at Cutts Gallery are large formats, on a museum scale. The avant-garde of this era shared with Ray Mead the desire to synthetize the thinking of a whole career into one painting. Side by side, these toiles make a pretty dense corpus, each of them demanding a lot of attention. It is quite fascinating to be able to see, almost 30 years after Mead’s death, a piece of the Canadian art history absolutely intact, and this is happening in a commercial art gallery. A body of work that could make happy many contemporary art museums’ curators.

Ray Mead, Bridge, 1978, acrylic on canvas / acrylique sur toile

En 1953, onze peintres ontariens ont créé un collectif, Painters11, et quelques commotions en présentant lors d’une exposition collective toute une série d’œuvres expressionnistes abstraites. L’abstraction étant d’ailleurs le seul point qui réunissait ces artistes de différents horizons et de différentes générations. Tous et toutes, il y avaient deux femmes parmi le groupe, sont aujourd’hui disparus.es. Mais leur travail a eut un certain impact sur l’histoire de l’art canadien et demeure toujours aussi prisé. Donc lorsqu’un galeriste tel Christopher Cutts ressort des voutes plusieurs toiles d’un de ces artistes, il s’agit forcément d’un évènement d’importance. Ray Mead demeure, avec Jack Bush, une des figures les plus célébrées du groupe des onze. Ici deux périodes de sa production sont représentées. Les années 70 ont été l’époque des constructions géométriques, du hard-edge, des formes, des lignes et des couleurs pures. Tandis que les années 80 sont plutôt expressionnistes, explosives, à la limite entre abstraction et figuration. On y décèle là quelques fruits, ici une charrette…

Pour la plupart de grands formats, les œuvres sont d’envergure muséale. L’avant-garde de l’époque partageait avec Ray Mead cet intérêt pour des œuvres synthèses de toute une vie de réflexion artistiques. Côtes à côtes, ces peintures forment un tout dense, chacune demandant beaucoup d’attention. Il demeure fascinant de pouvoir observer, près de 30 ans après la mort de l’artiste, un pan de l’histoire de l’art encore intact, et ce dans une galerie commerciale. Un tout qui ferait le bonheur de nombres de musées d’art contemporains.

Ray Mead, Untitled, 1985, acrylic on canvas / acrylique sur toile

Nelson Henricks: Lacuna (Alas Poor Yorick!)

Paul Petro Contemporary, 980 Queen Street West, Toronto   02.22.19 – 03.23.19 

Nelson Henricks seems fascinated by the reading of the famous Lawrence Sterne’s novel, Tristram Shandy. One must say this work was innovative on many aspects. The artist first keeps from it the black page, “Alas poor Yorick” is dead. Yorick is one of the main characters in the novel who dies early in the story. Sterne will ask to his publishers to print a black page. Is this the expression of mourning? of the emptiness the character left behind? the expression of despair? Between all options, Nelson Henricks has probably chosen to see there the end of everything. Even though the novel goes on forever afterwards.

He photographs this black page and makes some macro-printings. This huge black rectangle dominates the entire gallery at Paul Petro Contemporary. He then transforms the image of the black page, transposes it to bright colors. He also destroys the book itself with fire, and makes photos of the ashes, which gives beautiful abstract photographs. Finally he mixes those ashes with different acrylic mediums or different oils and reproduces the initial shape of the black page on canvas in a palette from light gray to black, from smooth to bumpy surfaces. Everything comes from the book, the content and the object itself. Here the artist is impeccably coherent, his art, as conceptual it may seem to be, is easily understandable. The high aesthetic value of his work is stunning. Here is an exhibition somewhere between concept and beauty, a well-thought abstraction that borrows as much to Malevich’s supremacist than to Rabelais’ humanist. Strung by the intelligence of the proposition, we keep in mind the emotion felt in front of the magnificence of the work.

Nelson Hendrick, Lacuna (Black page) 8, 2018, inkjet photo on rag paper / impression photo au jets d’encre sur papier de coton

La lecture de Tristram Shandy de Lawrence Sterne semble fasciner Nelson Henricks. Il faut dire que le roman, publié en neuf volumes entre 1759 et 1767 innovait à plusieurs égards. C’est surtout la célèbre page noire qui retient l’attention de l’artiste. « Alas poor Yorick » est mort. Yorick un des personnages principaux du roman meurt très tôt dans l’histoire. Sterne demande donc d’imprimer une page en noir, expression du deuil? du vide que laisse le décès du personnage? du désespoir? Toutes les options sont sur la table. Nelson Henricks choisi d’y voir la fin de tout. Même si le roman lui se continue longuement par la suite.

Il photographie cette page noire et en fait une macro-impression. Cet immense rectangle noir domine toute la salle à la galerie Paul Petro. Il transforme ensuite l’image de cette page, la transposant en couleurs vives. Il détruit par le feu le livre, photographie ses cendres ce qui donne de belles abstractions en photo. Enfin il mélange ces mêmes cendres avec différents médiums acryliques ou avec différentes huiles et reproduit la forme initiale de la page sur toile en un jeu de monochromes du gris pâle au noir. Tout provient du livre, tant de son contenu que de l’objet lui-même. Ici, l’artiste se montre d’une cohérence irréprochable, son art aussi conceptuel soit-il est aisément compréhensible, il est surtout d’un esthétisme renversant. Voilà une exposition en équilibre entre concept et beauté, d’une abstraction réfléchie et sensée qui se réfère autant au suprématisme d’un Malevitch qu’à l’humanisme d’un Rabelais. Happé par l’intelligence de la proposition, on garde en mémoire l’émotion ressentie devant la beauté du rendu.

Nelson Hendrick, Lacuna (Ashes) 1, 2018, inkjet photo on rag paper / impression photo au jets d’encre sur papier de coton

Group exhibition: Fine Lines

Kristina Burda | Lynne Cohen | Gerald Ferguson | Shadnam Ghazi | Susanna Heller | Barbara Hobot | Meaghan Hyckie | Ken Nicol | Ron Shuebrook | Denyse Thomasos | Tim Whiten

Olga Korper Gallery, 17 Morrow avenue, Toronto    02.22.19 – 03.23.19

This exhibition will provide joy to everyone at Olga Korper Gallery. A group of artworks was curated and picked from the gallery’s fabulous storage. The only thing these works have in common is to be in shades of grey, light blues with few pieces in black and white. Here, quality was favoured over newest at any price. Hanged and spaced as an art salon, the apparent quietness of this exhibition doesn’t resist long. The obsessive works of Ken Nicol have nothing calm. His drawings always based on repetition are the expression of a relentless worker. Always very impressing and also the result of a compulsive work are the clouds Meaghan Hyckie draws. The subtlety of the lines, the use of colors is jaw dropping. This artist simply is prodigious.

There could not be a group show at Olga Korper without their “classics”. Here a very beautiful Kristina Burda, the strange and intriguing spotted toiles of Gerard Ferguson and the cold and uncompromising photos of Lynne Cohen. As we see the art world fuelling to youth and newness, it is good to see that some might want to take the time to consider things, take the time to establish links between artists of different generations, between works of different genres, to take the time to establish links between different artistic practices. To show that the work of the gallery owner mostly is to promote artists of equal span, works of equal qualities

Kristina Burda, Charcoal/Blue State, 2013, acrylic on canvas / acrylique sur toile

Une exposition bonbon fera le plaisir de toutes et tous à la galerie Olga Korper. Ayant opté pour un groupe d’œuvres qui ont en commun d’être toutes dans des teintes de gris et de bleus délavés, avec un peu de noir et blanc, la galeriste a pigé dans les réserves de la galerie et a privilégié la qualité à la nouveauté à tout prix. Conçue comme un grand salon, cette exposition n’est tranquille qu’en apparence. Les œuvres obsessives de Ken Nicol n’ont rien de calmes. Son dessin toujours basé sur la répétition nous laisse toujours deviner le travail acharné qui sous-tend ces œuvres. D’un travail probablement tout aussi compulsif, les nuages de Meaghan Hyckie sont toujours impressionnants. La subtilité du trait et l’utilisation des couleurs laissent pantois. Cette artiste est tout simplement prodigieuse.

Il y a bien entendu quelques classiques de la cohorte de chez Korper, dont un très beau Kristina Burda, et ces étranges toiles tachetées de Gerard Ferguson et des photos froides et sans compromis de Lynne Cohen. Alors que le milieu de l’art carbure à la jeunesse et à la nouveauté à tout va, il est bon de constater que certains veuillent bien prendre le temps de se poser, de prendre le temps de bâtir des liens entre artistes de différentes générations, entre œuvres de genres opposés, prendre de temps d’établir des ponts entre différentes pratiques artistiques, démontrer combien le travail d’une galeriste consiste finalement faire la promotion d’artistes d’égale envergure, d’œuvres d’égale qualité.

Meaghan Hyckie, SIMS 2018, colored pencil crayon on paper, crayon de couleur sur papier

______________________________________________________________________________

about the author:

Normand Babin is a pianist working and living in Toronto since 2014, he also writes about arts for many years. In Montréal he was writing for his blog montréalistement, la Scena Musicale, La Recrue du Mois and others, he launched neomemoire in April 2018 where he is chief editor and author. 

web site

à propos de l’auteur:

Normand Babin est pianiste, il vit et travaille à Toronto depuis 2014 et il écrit sur les arts depuis plusieurs années. À Montréal il écrivait pour son blog montrealistement, la Scena Musicale, La recrue du mois et autres, il a lancé en avril 2018 neomemoire où il agit à titre d’éditeur et d’auteur. 

site web

Répondre

Entrez vos coordonnées ci-dessous ou cliquez sur une icône pour vous connecter:

Logo WordPress.com

Vous commentez à l'aide de votre compte WordPress.com. Déconnexion /  Changer )

Photo Google

Vous commentez à l'aide de votre compte Google. Déconnexion /  Changer )

Image Twitter

Vous commentez à l'aide de votre compte Twitter. Déconnexion /  Changer )

Photo Facebook

Vous commentez à l'aide de votre compte Facebook. Déconnexion /  Changer )

Connexion à %s

Ce site utilise Akismet pour réduire les indésirables. En savoir plus sur la façon dont les données de vos commentaires sont traitées.