Pivot @ Continuum

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Pivot

presented by Continuum Music, The Canadian Music Center, The Canadian League of Composers

Brian Current, conductor | Carol Fujino, violin | Leslie Newman, flute | Gregory Oh, piano | Ryan Scott, percussions | Anthony Thompson, clarinet | Paul Widner, cello

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Once I Forgot What Distance Sounds Like, Solomiya Moroz

center, unrestrained, Lieke van der Voort

hacia une gondola negra/frios reflejos de bronce, Nathan Friedman

Mimic, Amy Brandon

Heurts, Émilie Girard-Charest

Dive Deep in Blue, My Sweet, Luke Nickel

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After six young Canadian composers were chosen, they worked for six months with their mentors and with the musicians of the Continuum Ensemble. The public had the chance to hear the results of all this intense labour, in the best conditions possible at the Music Gallery in Toronto.

Once I Forgot What Distance Sounds Like by Solomiya Moroz opened the program. An atmospheric piece, where an upside down bicycle acts as a link between different sound materials. The composer who lived in many cities around the World, and for this specific piece evokes Lviv, Copenhagen, Montréal and Toronto, reproduces urban soundscapes. Instead of asking to the audience to make the ride, the musicians walk around us. We can hear clearly, without being able to identify, the different sounds of the different cities. But there is a sound that is similar all around the World, the sound of a bicycle riding on the tar of any street. So the percussionist, who ended up being very busy through this concert, makes the rear wheel of the bicycle turn and he rubs all kind of materials to it, reproducing the little noise of the little tires of the bicycle on the streets. This piece requests an attentive listening; there is a lot of details and richness in the score.

The music of Amy Brandon, which also explores different ambiances, is particularly well orchestrated. With a small number of musicians: piano, percussion, bass clarinet and electroacoustic, she successes in building real contrasting sound blocks, going from –very organized- chaos to a Zen ambiance surrounded by pure sounds. She exceptionally did not write any part for the guitar, positioning herself outside the performance. Amy Brandon conceived a strong work that easily finds its ways to mesmerize the audience.

center, unrestrained by Lieke van der Voort starts with a fascinating play with the sonorities of a gong. Then within a complex rhythmic chaos, the musicians, first all by themselves, then all at the same time, speak, chant words, syllables. At the end, they all stand up, yelling “me, me, me…” not as a chorus, but more likely one against the others. This theatrical piece might be seen as a condensed reflection of our society where everyone tries to bring the spotlight on her/himself. The complete commitment of the performers made it credible and interesting.

Some composers know how to please to musicians: they bring them a very difficult score to play. Whether all these myriads of little notes were written or not, Heurts by Émilie Girard-Charest is very demanding for the musicians who dare to approach it. It is a duet/dual for violin and cello with accompaniment of percussion. Riffs of cello that are quite close to free jazz, battles between the two string players, followed by more subtle difficulties, as the haunting drops of water reproduced by the percussion and the staccatos of the strings, concluded by a smoothening solo at the piano. Well structured, simple to understand for the neophytes, Heurts was a hit.

Two pieces in this concert were based on already existing music, two processes of re-creation, recycling in two very different ways. Luke Nickel made the bet to make us smile with his appropriation of the Swan by Camille Saint-Saëns in a very schmaltzy version, with the special appearance of the Theremin. Dive Deep in Blue My Sweet begins with cute birds singing and ends on unpleasant but still gracious swans’ squeaks. In between, a whole lot of quotations, an ambiance of silent movies. Lightly decadent, sliding towards the bottom, the melody has both a sombre and ridiculous demeanour. It was a very seductive ending for this concert, leaving us on a light but full of awareness note.

Truly sad is the piece by Nathan Friedman based on the Lugubre gondola II by Franz Liszt. This music does not need much dusting to make it sound contemporary. It has a dramatic chromatic bass line, here adorned by small clusters of microtonal sounds. In the hand of Nathan Friedman, this funeral march becomes an ode to the modernity of the composers of the end of the XIXth Century. Solemn, this piece is quite different from everything heard through the evening, fully assuming its emotional aspect. Because the structure is very clear, the memory of the listener impregnates more easily this music. Sometimes indeed, less is more…

There is a great satisfaction to listen to first performances of scores performed by experienced musicians who are apt to understand any new musical languages. With this type of project, those who write the music, the musicians who play and explore these new territories as well as the audience who gets acquainted to these new artistic voices, all win in this generous exchange.

Pivot

présenté par Continuum Music, le Centre de musique canadien, laLigue canadienne des compositeurs

Brian Current, direction | Carol Fujino, violon | Leslie Newman, flûte | Gregory Oh, piano | Ryan Scott, percussions | Anthony Thompson, clarinette | Paul Widner, violoncelle

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Once I Forgot What Distance Sounds Like, Solomiya Moroz

center, unrestrained, Lieke van der Voort

hacia une gondola negra/frios reflejos de bronce, Nathan Friedman

Mimic, Amy Brandon

Heurts, Émilie Girard-Charest

Dive Deep in Blue, My Sweet, Luke Nickel

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Quatre jeunes compositrices et deux jeunes compositeurs ont d’abord été sélectionnéEs. Après avoir bénéficié des conseils de mentors, après avoir travaillé et retravaillé leur pièce avec les musiciens de l’ensemble Continuum, le public a pu entendre dans des conditions optimales ce samedi à The music Gallery à Toronto les œuvres qui ressortent de cet intense atelier.

Once I Forgot What Distance Sounds Like de Solomya Moroz ouvrait le concert. Une pièce atmosphérique, où un vélo à l’envers faisait office de lien entre les différentes matières sonores. La compositrice qui a habité plusieurs villes à travers le monde évoque ici Lviv, Copenhague, Montréal et Toronto, elle reproduit des paysages sonores. Plutôt que de demander au public de se promener, ce sont les musiciens qui se baladent autour de nous. On entend très bien les sons des villes, on ne serait pas nécessairement capable de nommer quelles villes vont avec quels sons, mais il y a un son qui est identique partout : celui des roues de vélos qui roulent sur l’asphalte. Aussi le percussionniste, très occupé tout au long de la soirée, fait tourner la roue arrière du vélo, y frottent toutes sortes de matières reproduisant ainsi le petit bruit des petits pneus de la bicyclette. L’œuvre demande une écoute attentive, la partition étant remplie de riches petits détails.

La musique d’Amy Brandon, qui créée également des musiques atmosphériques, est particulièrement bien orchestrée. Avec un tout petit nombre de musiciens, piano, percussions, clarinette basse et électroacoustique, elle parvient a bâtir de réelles masses sonores contrastantes, passant du chaos très bien organisé à une ambiance sereine enveloppée de sons purs. Délaissant la guitare, se positionnant à l’extérieur de la performance, Amy Brandon a su concevoir une œuvre forte qui trouve le moyen de captiver les auditeurs.

center, unrestrained de Lieke van der Voort démarre avec un jeu de sonorités absolument fascinant au gong. Ensuite un chaos s’installe dans une rythmique complexe, les musiciens chacun leur tour, et par la suite tous ensemble, parlent, scandent des mots, des syllabes. Tous seront debout à la fin, criant « me, me, me » non pas en chœur mais plutôt les uns contre les autres. Cette pièce théâtrale pourrait être un condensé de notre société où chacun tente d’avoir tout l’éclairage sur soi. L’implication totale des musiciens a donné une performance crédible et intéressante.

Certains artistes savent comment plaire aux musiciens : en leur rendant la vie impossible. Que toutes ces myriades de notes soient écrites ou en partie improvisées, la pièce Heurts d’Émilie Girard-Charest, est très exigeantes pour les musiciens qui s’y attèlent. Il s’agit en fait d’un duo/duel violon et violoncelle avec accompagnement de percussion. Des riffs de violoncelle presque free jazz, des batailles entre les deux cordistes, suivi d’un jeu plus subtil, comme celui des gouttes d’eau reproduites par la percussion et les pizzicati des cordes se concluent par un prologue plus apaisant au piano. Bien structurée et simple à comprendre même pour les néophytes, Heurts a été un grand succès.

Deux pièces avaient comme base des musiques déjà existantes, procédés de recréation, de réutilisation toutefois fort différents. Luke Nickel prend le pari de nous faire sourire avec sa réappropriation du Cygne de Saint-Saëns version très sentimentale avec une apparition spéciale du Thérémine. Dive Deep in Blue My Sweet commence avec de doux chants d’oiseaux et se termine par le cri désagréable des cygnes pourtant gracieux. Entre les deux, toute une ribambelle de citations, une ambiance de film muet. Légèrement décadente, tout glisse vers le bas, la mélodie a des airs sombres et ridicules à la fois. Voilà une façon bien séduisante de terminer un concert, nous laissant sur une note légère quoique un peu inquiète.

Triste pour vrai, la pièce de Nathan Friedman se base sur La lugubre gondola II de Franz Liszt. Cette musique n’a pas besoin d’un grand dépoussiérage pour faire moderne. Avec sa basse chromatique, ici agrémentée par des petites grappes de sons micro-tonales, cette marche funèbre devient une ode à la modernité des compositeurs de la fin du XIXe siècle. Solennel, le travail de Nathan Friedman tranchait avec ce que nous avons entendu au cours de la soirée, assumant son aspect émotionnel. Plus structurée, sa musique s’imprègne plus facilement dans la mémoire de l’auditeur. Parfois, en effet, la simplicité paie.

Il a une grande satisfaction à entendre des œuvres inédites interprétées par des musiciens chevronnés, rompus à la compréhension des langages musicaux contemporains. Avec ce type de projet, tant ceux et celles qui écrivent les œuvres, les musiciennes et musiciens qui interprètent et explorent ces nouveaux langages et le public qui apprivoise ces nouvelles voix d’artiste gagnent à cet échange généreux.

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about the author :

Normand Babin is a pianist working and living in Toronto since 2014, he also writes about arts for many years. In Montréal he was writing for his blog montréalistement, la Scena Musicale, La Recrue du Mois and others, he launched neomemoire in April 2018 where he is chief editor and author.

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À propos de l’auteur :

Normand Babin est pianiste, il vit et travaille à Toronto depuis 2014 et il écrit sur les arts depuis plusieurs années. À Montréal il écrivait pour son blog montrealistement, la Scena Musicale, La recrue du mois et autres, il a lancé en avril 2018 neomemoire où il agit à titre d’éditeur et d’auteur. 

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